Hvorfor har denne statuen fem ben?

Hvorfor har denne statuen fem ben?


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Okser har 4 bein. Disse statuene har 5 ben. Hvorfor?

Khorsabad

Palace of Sargon

Dette området inneholder hovedsakelig skulpturer fra byen og palasset i Khorsabad, bygget for den assyriske kongen Sargon II (721-705 f.Kr.). Paret med bevingede okser med menneskelig hode stod opprinnelig ved en av portene til citadellet, som magiske verger mot ulykke.


Ifølge Wikipedia,

Assyrierne plasserte typisk lamassu på en fremtredende plass ved inngangene til byer og palasser. Forfra ser det ut til at de står, og fra siden går de.

Noe bekreftet av New York Metropolitan Museum of Art:

Billedhuggeren ga disse verge -figurene fem bein, slik at de ser ut til å stå fast sett foran sett, men stryke fremover sett fra siden.

Statuen kalles a lamassu, og det er assyrisk, ikke egyptisk.


Jeg tror at hvis du ser statuen fra front til side, ser du bare de to fremre bena. Hvis du ser statuen fra siden, ser du fire. På den tiden klarte de sannsynligvis ikke bare å fjerne all resten av steinen, slik at du kunne se fire bein fra hvilken som helst retning.


Den lille havfrue (statue)

Den lille havfrue (Dansk: Den lille Havfrue) er en bronsestatue av Edvard Eriksen, som viser en havfrue som blir menneske. Skulpturen vises på en stein ved vannkanten ved Langelinie -promenaden i København, Danmark. [a] Den er 1,25 meter (4,1 fot) høy [2] og veier 175 kilo (385 lb). [3]

Basert på eventyret med samme navn fra 1837 av den danske forfatteren Hans Christian Andersen, er den lille og imponerende statuen et ikon i København og har vært en stor turistattraksjon siden den ble avduket i 1913. I de siste tiårene har den blitt et populært mål for fortapelse av vandaler og politiske aktivister.

Havfrue er blant ikoniske statuer som symboliserer byer andre inkluderer: Manneken Pis i Brussel, [4] Frihetsgudinnen i New York og Kristusstatuen i Rio de Janeiro. I flere tilfeller har byer bestilt statuer for et slikt formål, for eksempel med Singapores Merlion.


Statue av Ramses II

  1. En kolossal statue av Ramesses II utstilt i British Museum. ? Tillitsmenn for British Museum
  2. Baksiden av den kolossale bysten til Ramesses II er innskrevet med hieroglyfer. ? Tillitsmenn for British Museum
  3. Ramesseum, der denne statuen opprinnelig sto. © RB Parkinson
  4. Kart som viser hvor objektet ble funnet. © Tillitsmenn for British Museum

Denne statuen av faraoen Ramses II ble designet for å vise ham som en velvillig hersker, en mektig kriger og en levende gud. Det ble reist i Ramesseum - tempelet hans, hvor kulturen av Ramesses ville fortsette i århundrer. Under hans regjeringstid nådde den årlige Nilen -flommen gjentatte ganger ideelle nivåer som førte til gode avlinger og en periode med velstand i Egypt. Ramesses selv fikk 85 barn med en rekke dronninger i løpet av hans 66-årige regjeringstid.

Hvorfor var Ramses II så vellykket?

Ramses II er kjent som en av Egypts største faraoer - ni ytterligere faraoer prøvde å etterligne hans suksess ved å ta navnet hans. Selv om Ramesses var kjent som en kriger-konge, led han flere militære tilbakeslag. Ramesses skyldte sitt rykte på sine ferdigheter som selvpublisist - han reiste flere statuer enn noen annen egyptisk farao. Han endret eller la til inskripsjonene på tidligere faraos statuer for å glorifisere seg selv. Dette sørget for at Ramesses ble tilbedt som en gud i århundrer etter hans død.

Den originale komplette statuen veide 20 tonn, hele 36 afrikanske elefanter

Hvem var Ramses II?

Denne praktfulle skulpturen er den øvre tredjedelen av en kolossal sittende statue som representerer Ramses II, en av de mest berømte kongene i det gamle Egypt. Han styrte riket sitt i nesten 67 år i løpet av det trettende århundre f.Kr.

Ramesses, fast bestemt på å overgå alle andre faraoer, kalte seg 'hersker over herskerne' og hadde flere monumenter og statuer laget enn noen annen farao.

I løpet av sin lange regjeringstid hadde Ramesses II syv hovedkoner og fikk minst 40 døtre og 45 sønner. Han døde på nittitallet og overlevde et titalls kronprinser og ble etterfulgt av hans trettende sønn, Merenptah.

Det tolvte århundre så ni konger til med navnet Ramses komme til tronen. De ble stadig svakere, og under regjeringen til Ramses XI tok det nye riket slutt.

Denne statuen var en av et par som sto på hver side av en døråpning i kongens enorme tempel på vestbredden av Theben (moderne Luxor). Dette tempelet var beregnet på kongens postume kult.

Opprinnelig omtrent ni meter høy, ble statuen skåret av et enkelt granittstykke hentet fra et steinbrudd 200 kilometer oppover elven Nilen, ved Aswan. Det ble bevisst trukket ut for at hodet skulle være i rødt og kroppen i grå granitt. Det finere skulpturelle designet ble først utført etter at kolossen var reist inne i templet. Fargepigmenter, nå hovedsakelig falmet, ble malt for å få skulpturen til å se mer naturtro ut.

Denne praktfulle skulpturen er den øvre tredjedelen av en kolossal sittende statue som representerer Ramses II, en av de mest berømte kongene i det gamle Egypt. Han styrte riket sitt i nesten 67 år i løpet av det trettende århundre f.Kr.

Ramesses, fast bestemt på å overgå alle andre faraoer, kalte seg 'hersker over herskerne' og hadde flere monumenter og statuer enn noen annen farao.

I løpet av sin lange regjeringstid hadde Ramesses II syv hovedkoner og fikk minst 40 døtre og 45 sønner. Han døde på nittitallet og overlevde et titalls kronprinser og ble etterfulgt av hans trettende sønn, Merenptah.

Det tolvte århundre så ni konger til med navnet Ramses komme til tronen. De ble stadig svakere, og under regjeringen til Ramses XI tok det nye riket slutt.

Denne statuen var en av et par som sto på hver side av en døråpning i kongens enorme tempel på vestbredden av Theben (moderne Luxor). Dette tempelet var beregnet på kongens postume kult.

Opprinnelig omtrent ni meter høy, ble statuen skåret fra et enkelt granittstykke hentet fra et steinbrudd 200 kilometer oppover elven Nilen, ved Aswan. Det ble bevisst trukket ut for at hodet skulle være i rødt og kroppen i grå granitt. Det finere skulpturelle designet ble først utført etter at kolossen var reist inne i templet. Fargepigmenter, nå hovedsakelig falmet, ble malt for å få skulpturen til å se mer naturtro ut.

Marcel Maree, kurator, British Museum

Hvordan flytte et objekt som Ramesses?

Bysten av Ramesses II er en av de største bitene av egyptisk skulptur i British Museum og veier over 7 tonn.

Når vi flytter et så stort objekt, må et kombinert team av museumsassistenter og tunge objektbehandlere vurdere mange aspekter av hvor det skal og hvor mye plass det skal flyttes.

Da denne statuen av Ramesses først ble brakt inn i museet på 1830 -tallet, måtte det gjøres et hull i gallerveggen og den ble ført inn ved hjelp av tau og stillaser i tre.

I dag, på grunn av størrelsen, kan vi ikke løfte statuen ved hjelp av utstyr som gaffeltrucker. I stedet kan vi løfte gjenstanden ovenfra ved hjelp av stålportaler og slynger (en moderne ekvivalent av tau og tre).

Vi kan også løfte statuen nedenfra. Stort tømmer brukes til å senke, eller ‘stein’, statuen til bakkenivå der den er plassert på kraftige hjul eller ruller.

Begge disse prosessene er lange og langsomme og trenger mye dyktig personale og tålmodighet. For eksempel, for å senke statuen ved hjelp av tømmer, må du løfte den ene siden av statuen opp og senke tømmeret med et par centimeter og deretter gjenta handlingen på den andre siden. Så det kan ta timer å bevege seg selv noen få centimeter!

Bysten av Ramesses II er en av de største bitene av egyptisk skulptur i British Museum og veier over 7 tonn.

Når vi flytter et så stort objekt, må et kombinert team av museumsassistenter og tunge objektbehandlere vurdere mange aspekter av hvor det skal og hvor mye plass det skal flyttes.

Da denne statuen av Ramesses først ble brakt inn i museet på 1830 -tallet, måtte det gjøres et hull i gallerveggen og den ble ført inn ved hjelp av tau og stillaser i tre.

I dag, på grunn av størrelsen, kan vi ikke løfte statuen ved hjelp av utstyr som gaffeltrucker. I stedet kan vi løfte gjenstanden ovenfra ved hjelp av stålportaler og slynger (en moderne ekvivalent av tau og tre).

Vi kan også løfte statuen nedenfra. Stort tømmer brukes til å senke, eller ‘stein’, statuen til bakkenivå der den er plassert på kraftige hjul eller ruller.

Begge disse prosessene er lange og langsomme og trenger mye dyktig personale og tålmodighet. For eksempel, for å senke statuen ved hjelp av tømmer, må du løfte den ene siden av statuen opp og senke tømmeret med et par centimeter og deretter gjenta handlingen på den andre siden. Så det kan ta timer å bevege seg selv noen få centimeter!

Evan York, museumsassistent, British Museum

Kommentarer er stengt for dette objektet

Kommentarer

Jeg synes at denne serien er fantastisk og å kunne se artiklene nevnt, spesielt på British Museum -videoer, er en virkelig bonus. Takk BBC

Jeg vil gjerne vite mer om den opprinnelige 'egyptologen' finner og tok av denne statuen. Hvordan transporterte han den og hva skjedde med resten av statuen?
Francesca Johnson

mer. Jeg vil også takke BM og BBC for at de gjorde denne serien tilgjengelig for visning. Jeg kan ikke lenger reise hvor som helst, og disse 'øyeblikksbildene' er for meg en fantastisk trøstepremie!

Resten av statuen er fremdeles ved Ramesseum -tempelet på Vestbredden i Luxor.

Statuen ble fraktet nedover Nilen av Giovanni Belzoni, en italiensk sterkmann som reiste til Egypt for å hjelpe til med å bygge en hydraulisk maskin. Etter å ha møtt den britiske konsulen, Henry Salt, ble han betrodd å flytte statuen. Dette startet 27. juli 1816, med rundt 80 mann som flyttet kolossen ved hjelp av tau, spaker og treslede. Det tok 15 dager å flytte statuen 1,2 km ned til Nilen. 20. november forlot statuen endelig nedstrøms med båt, og ankom Alexandria 10. januar 1817. Deretter ble den sendt til London.

Neal Spencer, kurator, Department of Ancient Egypt and Sudan, British Museum

Glem politikken. Skill deg selv et øyeblikk fra den besettelsen. Se på ansiktet. Enhver mann kan føle med sin tidløse skjønnhet. Hvorfor ble det stjålet i utgangspunktet? Fordi her var adels ekte ansikt. Den gresk-romerske ruten hadde blitt en sliten, ikke sant? Her var en ny daggry som bare måtte bringes til et urolig Europa. Foreldre og lærere bør legge store bilder av dette ansiktet opp i hjemmene sine, slik at sjelen til barna deres kan oppdateres daglig i den. Glem Alexander. Han var et krus.
Nå må jeg tigge om å være forskjellig på ansiktsringen som sirkler kronen. Jeg ser Rams -hodesymbolene til Amun, ikke med cobrahoder med hette. Ansiktet holder uttrykket av daggry. Det bader forfriskende etter søvn i de første varme solstrålene. For meg er det også mye mer fornuftig å ha værhoder gitt historien. Etter at Akhenaten mislyktes i sitt forsøk på å gå alene soltilbedelse som et middel til å komme vekk fra Amun -prestedømmet og deres restriktivitet, kom den umiddelbare gjeninnsettelsen av Tutenk (amun) av Amun. Amun var deretter prinsippet om kongelig guddom. Kan noen fortelle meg hvor mange slike hoder det ville ha vært å omskrive kronen? Kroner trenger omskrift ikke sant?
Bildet av Buddha har lignende inspirerende kvaliteter. Buddha også kjent som Shaky (amun) i. Skjønner?

Jeg er omtrent halvveis i serien og synes den ikke bare er underholdende, men lærerik. Fortellingene er forfriskende objektive, informative og inviterer til dypere kontemplasjon og formodninger. Etter hvert som serien utvikler seg inn i den nyere historien (Egypt, Assyria, Minoa, etc.) blir 'objektene' imidlertid mer og mer relevante for dagens kulturer og nasjonaliteter, og får meg til å vurdere når jeg lytter til fortellingene, hvem er de virkelige 'eierne' av disse objektene? Å avdekke gjenstander og gjenstander for sivilisasjoner eller kulturer som er så gamle at ingen bestemt gruppe som eksisterer i dag kan gjøre krav på dem, gjør "eierskap" til en enkel ting å bestemme ettersom objektet ble ervervet ved å finne eller bytte eller velsigne, men veldig samvittighetsfullt å beholde. På 1700- og 1800 -tallet skjedde imidlertid anskaffelsen av gjenstander fra gamle sivilisasjoner som foregikk eksisterende kulturer, som Egypt, Afrika, Amerika, Kina og andre asiatiske land på et volum som passende kan beskrives som 'plundring og plyndring' plager meg slik at tanken til tider forringer meg fra å nyte podcasten fullt ut. Det er mange grunner som ble brukt for å rettferdiggjøre disse handlingene (vitenskapelig studie, bevaring og til og med grådighet for å eie verdifull og æret kunst), men jeg føler at den underliggende begrunnelsen var holdningen til den 'overlegne' eller sterkere kulturen til den 'underordnede' eller svakere kultur. I denne perioden med masseinnkjøp av de mindre kulturenes kunst, var det også en tro på de hvite rasenes overlegenhet (nordamerikanere, europeere) og de andres underlegenhet som 'fargemenn' som (mine ord) 'don' 'har ikke evnen eller utdannelsen til å sette pris på eller beskytte disse objektene'. I de siste årene har denne ideen om den underliggende begrunnelsen for all denne plyndringen (lovlig eller ulovlig) mer og mer blitt anerkjent og flere bevegelser for å "rette feil" dukker opp. Amerikanerne har returnert gjenstander hentet fra japanske soldater under krigen, og returnert ting som er tatt fra Japan under okkupasjonen, selv om de ble anskaffet ved enkle og lovlige transaksjoner. (Ofte har selgeren ikke mer rett til å selge eller gi bort et objekt av historisk betydning enn kjøperen eller mottakeren av varen.) Å se statuen av Rameses II på et europeisk museum eller sphynx i en amerikansk institusjon, får meg til å lure på hvordan de ble anskaffet, og hvis landene som produserte dem vil ha dem tilbake. Hva ville utfallet bli av disse landene for å ta sakene sine for verdensdomstolen? Jeg vet at hvis jeg kjøpte en bil i en tilsynelatende riktig transaksjon, at hvis bilen ble funnet å bli stjålet, ville den bli returnert til eieren, og jeg, kjøperen, ville være tom for kontanter. Uttrykket 'kjøper pass opp' gjelder her, og bør det også gjelde landene som tilegnet seg disse verdifulle kultur- og historiefunnene? Skulle vi ikke som mennesker på 1900- og 2000 -tallet, fylt med vår respekt for kulturer, likestilling og rettigheter for andre raser og nasjonaliteter, det som ikke var tilstede hos våre forgjengere på 1700- og 1800 -tallet, vurdere måter og løsninger for å komme tilbake disse objektene til sine rettmessige eiere hvis det blir fremsatt krav? Handlingen med å returnere elskede kulturelle gjenstander til sine kilder vil bety mer å styrke gjensidig respekt, interkulturelle relasjoner og verdensfred enn noen flere konferanser, politiske erklæringer, utenlandske bistandsprogrammer og så videre. Vi må virkelig kaste bort våre gamle 'koloniale begrunnelser' for våre tidlige handlinger og erstatte dem med handlinger basert på samvittighet og respekt for alle.

Del denne lenken:

Det meste av innholdet på A History of the World er skapt av bidragsyterne, som er museene og publikum. Synspunktene som er uttrykt er deres, og med mindre det er spesifikt angitt, er de ikke fra BBC eller British Museum. BBC er ikke ansvarlig for innholdet på eksterne sider det refereres til. I tilfelle du anser at noe på denne siden bryter nettstedets husregler, vennligst flagg dette objektet.


Liggende Buddha

Den tilbakelente Buddha har Buddha som ligger på høyre side med hodet støttet av en pute eller den støttede hånden og albuen. Selv om denne representasjonen av Buddha kan indikere å sove eller hvile, er det oftest en fremstilling av de siste øyeblikkene på slutten av Buddhas liv.

Denne overgangstilstanden kalles parinirvana, og skjer bare for de som har nådd opplysning, eller nirvana, i løpet av livet. De som oppnår nirvana blir løslatt fra samsara, syklusen av gjenfødelse og karma. I stedet når de dør, når de nirvana-etter-døden eller det evige selvet.


Nei, han skulle egentlig være på katedralen i Firenze (Duomo), høyt oppe på siden av kirken, der han ville ha virket mye mindre hvis vi så ham nedenfra. Men så snart David var ferdig, visste alle at det ikke kunne gå den veien opp fordi det var et mesterverk å nyte. En komité ble satt sammen for å bestemme hvor den skulle gå og heldigvis gikk den på Piazza della Signoria hvor den kunne beundres på nært hold.

Les hele artikkelen om Michelangelo ’s David for å lese mer historie om opprettelsen av statuen, historien om dens betydning, se flere bilder og mer.


Hvorfor lener det skjeve tårnet i Pisa?

Velg hvilken som helst dag på Piazza del Duomo i den italienske byen Pisa, og du vil utvilsomt oppdage en haug med turister som poserer for det samme bildet: hendene utstrakt mot katedralen og påfallende klokketårn, som om de støtter det med sine ren styrke. Det såkalte skjeve tårnet i Pisa er en av de mest kjente bygningene i verden, men kanskje ikke av grunnene til at de opprinnelige arkitektene ville ha ønsket det.

I 1173 begynte byggingen av et klokketårn i hvitt marmor for katedralkomplekset i Pisa, som ligger mellom elvene Arno og Serchio i Toscana, sentrale Italia. Da byggherrer var ferdig med den tredje av åtte planlagte historier omtrent fem år senere, hadde tårnfundamentet begynt å legge seg ujevnt på bakken under det, en tett blanding av leire, sand og skjell. Som et resultat hadde strukturen begynt å vippe synlig mot sør. Kort tid etter brøt det ut krig mellom Pisa og Genova, en annen italiensk bystat, som stoppet byggingen i nesten et århundre. Denne forsinkelsen tillot stiftelsen å bosette seg ytterligere, sannsynligvis forhindret klokketårnet for tidlig kollaps.

Da konstruksjonen ble gjenopptatt, prøvde overingeniør Giovanni di Simone å kompensere for mageriet ved å legge ekstra mur til kortsiden, men den ekstra vekten fikk strukturen til å vippe enda lenger. Tårnet ble offisielt ferdigstilt rundt 1370, men skråningen økte bare i løpet av de neste seks århundrene og ble en integrert del av monumentets sære appell. Til tross for forskjellige forsøk på å forsterke det, fortsatte Pisa ’s tårn å avta med en hastighet på rundt 0,05 tommer per år, noe som satte det i økende fare for kollaps. I 1990 lente den 5,5 grader (eller omtrent 15 fot) fra den vinkelretteste x ekstreme vinkelen ennå. Det året ble monumentet stengt for besøkende og klokkene fjernet da ingeniører startet omfattende reparasjoner for å stabilisere det.


15 ting du kanskje ikke vet om Michelangelos David

Få statuer er like varige og ikoniske som Michelangelos David. Men mens store deler av verden kunne skissere dette majestetiske mesterverket fra hukommelsen, er det få som kjenner de sære og nysgjerrige tingene som fulgte med skapelsen.

1. DET ER EN RELIGIOUS STATUE.

Ved første øyekast kan det hende at Michelangelos berømte nakne mann ikke skriker "bibelhelt". Men hvis du ser nøye etter, vugger David en slynge over venstre skulder og holder en stein i høyre hånd. Disse elementene og statuens navn identifiserer emnet som David som møtte den onde giganten Goliat. Michelangelo brøt fra konvensjonen ved ikke å inkludere den fremtidige kongens fryktinngytende fiende i skulpturen. I en ytterligere avvik fra tradisjonen tror kunsthistorikere David skildrer den legendariske underdogen før det store slaget, delvis på grunn av angsten som er tydelig etset i ansiktet hans.

2. DET ER STØRRE ENN LIVET.

står 17 fot høy, nesten tre ganger størrelsen på en gjennomsnittlig mann.

3. HENNE HØYRE HÅND ER UTE AV PROPorsjon.

Det er for stort til å passe perfekt med resten av kroppen. Denne asymmetrien antas å være Michelangelos smarte nikk til Davids kallenavn, manu fortis- sterk i hånden.

4. DAVID ER VENSTRE.

Du kan se at han er en sørpote hvor slynget ligger - men merkelig nok er kroppsposisjonen mer antydende for en rettmessig.

5. STATUEN ER HULLET FRA EN ENKEL BLOK AV UØnsket marmor.

Marmorblokken som ble et av historiens mest berømte mesterverk, beviser den gamle klisjéen om at en manns søppel er en annens skatt. Michelangelo opprettet David fra et marmorstykke som hadde blitt kastet to ganger av andre skulptører. Agostino di Duccio ga opp et prosjekt ved hjelp av blokken, hvoretter den satt urørt i 10 år. På det tidspunktet tok Antonio Rossellino en sprekk i blokken, men bestemte at det var for vondt å jobbe med. Da Michelangelo endelig fikk hendene på den, hadde marmoren ventet i 40 år på noen som var opp til utfordringen.

6. DAVID VAR MÅTT FOR STORE HØYDER.

I 1501 ga byregjeringen i Firenze Michelangelo i oppdrag å lage stykket som en del av en serie statuer som skulle pryde taklinjen til Firenzes katedralkuppel. Men da den var ferdig, ble Michelangelos lånetakere så overveldet av DavidDet er vakkert at de bestemte seg for å slette den planen og plassere den der den kunne bli verdsatt på nært hold. I 2010 viste et kunstprosjekt i Firenze David som den var tiltenkt, og satt en kopi høyt på katedralens eksteriør, så vel som på alle andre steder som hadde blitt foreslått ved ferdigstillelsen i 1504.

7. DET TJENET RAVE -ANMELDELSER FRA STARTEN.

Det italienske maleren og arkitekten Giorgio Vasari fra det sekstende århundre skrev om David, "Den som har sett dette verket trenger ikke problemer med å se noe annet verk utført i skulptur, enten i vår egen eller i andre tider." Med ros som det, hvordan kunne folket i Firenze stikke statuen høyt opp på et tak?

8. DET Sementerte MICHELANGELO’S ANSVAR.

Fem år før Davids debut, Michelangelos Pieta gjorde ham berømt. Men det var hans David som definerte den 29 år gamle høyrenessansekunstneren som en mesterskulptør. Fire år senere, i 1508, begynte han arbeidet med sin største malerprestasjon i Det sixtinske kapell.

9. DAVID PULLET INSPIRASJON FRA GAMMEL ROMANSK KUNST.

Spesielt antas det at Michelangelo baserte Davidposerer på skildringer av Herkules, en helt med dype bånd til byen Firenze som til og med hadde dukket opp på det florentinske seglet i århundrer. Ved å lage en så strålende statue i den romerske tradisjonen, bidro Michelangelo til at arbeidet umiddelbart ble omfavnet av folket i Firenze.

10. FOR TIKKER, DAVID VAR ET POLITISK SYMBOL.

Etter mye debatt, David ble plassert utenfor Firenzes regjeringskontorer i Palazzo Della Signoria, og skapte en sterk forbindelse i offentlighetens sinn. I 1494 ble den mektige Medici -familien eksilert fra Firenze, og som sådan var denne nye republikken under konstant trussel fra både de tilbakevendende Medicis (som gjenvunnet makten i 1512) og statene rundt, noe som fikk Florence til å føle seg som den bibelske David. Det sies at statuens forsiktige blikk bevisst pekte mot Roma.

Disse politiske overtonene førte til at statuen ble angrepet to ganger i de første dagene. Demonstranter sprengte den med steiner året den debuterte, og i 1527 resulterte et anti-Medici-opprør i at venstre arm ble brutt i tre stykker.

11. DET HAR VÆRT MODERNE ANGANGER, OGSÅ.

14. september 1991 snek den italienske kunstneren Piero Cannata en liten hammer inn i statuens hjem på Galleria dell'Accademia i Firenze. Han nærmet seg den ruvende statuen og slo straks av den andre tåen på venstre fot. Museets besøkende gikk i aksjon og kom sammen Davidangriper, forhindret ham i å gjøre ytterligere skade og dempe ham til politiet ankom. På spørsmål om hvorfor han ville gjøre noe slikt, hevdet Cannata at en modell for renessansekunstneren Paolo Veronese, som var en grov samtid av Michelangelo, hadde bedt ham om å gjøre det.

12. DET ER MER ENN EN DAVID.

Siden David er et av verdens mest populære kunstverk, det er reproduksjoner av det på t-skjorter, musematter og omtrent alle medier du kan forestille deg. Men det finnes til og med fullverdige kopier-og Firenze har to av dem: Mens den virkelige David sitter på et museum, en kopi i full størrelse står på sin opprinnelige plass foran Palazzo Vecchio, og en bronsert kopi tårner over byen fra abboren på Piazzale Michelangelo.

13. DAVID ER AVSLUTTET SENSORERT.

Fans av Simpsons vil huske et komplott der lokalbefolkningen i Springfield krever det David ta på meg noen bukser. Selv om denne forespørselen ble brukt som en komisk ekstrem av sensur, gjenspeilte den faktiske hendelser i nakenstatuens fortid.

I 1857 overrasket storhertugen av Toscana Englands dronning Victoria med en kopi av Michelangelos David. Det sies at prim royal ble så skandalisert av stykkets nakenhet at et avtakbart fikenblad av gips ble opprettet for å bevare denne marmormannens beskjedenhet og beskytte de blide kvinnene som kan besøke ham på det moderne Victoria and Albert Museum i London.

14. TURISTER ER HARDT PÅ DAVID.

Over 8 millioner besøkende i året tramper gjennom Galleria dell'Accademia for å ta synet av David. Dessverre viser studier at all denne fottrafikken skaper vibrasjoner som utgjør små, nesten konstante jordskjelv som river i marmoren og gjennom nylige restaureringsarbeider av det hundre år gamle stykket.

15. DAVIDEIERET ER ET TRIKT SPØRSMÅL.

har stått utstilt på Firenzes Galleria dell'Accademia siden 1873. Men etter hvert som flere og flere turister ble tiltrukket av å ta underet av David, begynte den italienske regjeringen å klø for å definere nasjonalskattens eierskap. I 2010 startet den italienske regjeringen en kampanje for å befeste sin påstand om den ikoniske marmorstatuen.

Tilhører statuen byen Firenze eller nasjonen Italia? En pågående rettssak graver gjennom historien til begge for å avgjøre. Firenze -ordfører Matteo Renzi erklærte: "Dette er en ny forekomst av David kontra Goliath. Vår kamp er for en annen måte å håndtere kulturarv i en by som lever av kultur." Kanskje det er på tide å rette blikket mot David en gang til.


Dette er grunnen til at mennene i gamle statuer alle har små peniser

Har du noen gang gjort rundene på et museum, tatt til deg severdighetene, suget til deg kulturen og plutselig blitt rammet av hvor utenkelig bittelite mennenes peniser er i alle statuene?

Jeg sier deg hva, du er ikke den eneste hvis du har sett på disse statuene og lurt på hvorfor guttene i dem var så blodige opptatt av å få drakten sin av og bli oppkledd. Fordi det ikke er mye å rope om der nede, hvis du vet hva jeg mener.

Men heldigvis har noen svart på dette pågående spørsmålet: hvorfor gjøre har de alle så små dicks? Var det et tilfelle av å være mye kaldere da? Fordi vi alle vet hva som skjer med en kjølig penis. Eller tok vi feil av disse gutta som voksne da de egentlig var barn før puberteten?

Helt i frontlinjen for undersøkende journalistikk gir vi deg svarene.

Vi har faktisk fått kunsthistoriker Ellen Oredsson til å takke for svaret på denne, etter at hun brukte en stor del av sin profesjonelle tid på å forklare nøyaktig hva som var årsaken til denne smågiftepidemien.

Etter at en leser sendte inn spørsmålet til bloggen hennes, Hvordan snakke om kunsthistorie, Bestemte Ellen seg for å svare på det. Du kan ignorere det ordspillet.

Det har tilsynelatende å gjøre med de kulturelle verdiene. Så akkurat som i dagens verden, blir "store peniser sett på som verdifulle og mannlige", da var tingene helt annerledes. "De fleste bevis peker på det faktum liten peniser ble ansett som bedre enn store, »skriver Oredsson.

"En av grunnene til at historikere, som Kenneth Dover i hans landemerkebok Gresk homofili, har antydet at små peniser var mer kulturelt verdsatt, er at store peniser var forbundet med veldig spesifikke egenskaper: dumhet, begjær og stygghet, "legger hun til. Så uflaks hvis kjæresten din hadde en drittsekk, ville han ikke ha vært en slik gutt tilbake i gammel gresk tid.

Kunsthistorikeren hopper også til statuenes forsvar, og bemerker at "de er slappe. Hvis du sammenligner størrelsen med de fleste slappe mannlige penisene, er de faktisk ikke vesentlig mindre enn virkelige peniser pleier å være." Ok, ok. Vi er bare vant til litt av ereksjonshandlinger her.

"Den ideelle greske mannen var rasjonell, intellektuell og autoritær," forklarer Oredsson. "Han kan fortsatt ha hatt mye sex, men dette var ikke relatert til hans penisstørrelse, og hans lille penis tillot ham å forbli kjølig logisk."

Så der har du det. Store dicks betydde ikke store skudd tilbake på dagen, så småpensede menn rundt om i verden kan nå puste lettet ut og henge på museer hvor de vil være i godt selskap.

Følg Cat på Twitter.

Som dette? Kom og sjekk oss på Snapchat Discover.


Hva skjedde med Venus de Milos armer?

Et av de mest kjente eksemplene på gammel gresk skulptur, Venus de Milo er umiddelbart gjenkjennelig ved sine manglende armer og populært antatt å representere Afrodite, den greske gudinnen for kjærlighet og skjønnhet, som var kjent for romerne som Venus. Kunstverket ble oppdaget i 1820 på den egeiske øya Melos (også kalt Milos). En fenrik i den franske marinen, Olivier Voutier, hvis skip lå forankret i havnen på Melos, bestemte seg for å drepe tiden en dag ved å gå i land og lete etter antikviteter. Mens han gravde i nærheten av ruinene av et gammelt teater, la Voutier merke til at en lokal bonde, som fjernet steiner fra en vegg i nærheten for bruk som bygningsmaterialer, syntes å ha funnet noe inne i veggen. Ved undersøkelsen fikk Voutier vite at bonden hadde funnet den øverste halvdelen av en statue av en kvinne. Franskmannen, som anerkjente statuen som potensielt signifikant, og med hjelp fra bonden, avdekket sin nedre halvdel ikke langt unna. Voutier fortalte sine overordnede om oppdagelsen, og franskmennene anskaffet kunstverket, som ble kjent som Venus de Milo, for en relativt beskjeden sum. Den ankom Frankrike i 1821 og ble presentert for Louis XVIII, som donerte den til Louvre -museet, hvor den forblir i dag.

Louvre promoterte opprinnelig Venus de Milo som et mesterverk fra den greske klassiske tiden. Nå antas imidlertid Venus de Milo å ha blitt produsert rundt 100 f.Kr., i en senere periode kjent som den hellenistiske tidsalderen. Opprinnelig hugget i to marmorblokker og deretter montert sammen, står statuen 6 fot 7 tommer fra topp til tå og er opprettelsen av en kunstner ved navn Alexandros fra Antiochia, om hvem lite er kjent.

Når det gjelder Venus de Milos manglende lemmer, har det lenge vært påstander om at de ble brutt i 1820 under en kamp på kysten av Melos, da franske og tyrkiske sjømenn kjempet om besittelse av kunstverket. Men faktisk tror de fleste forskere i dag at skulpturens armer allerede manglet da den ble funnet av Voutier og bonden. (Mangler nå også metallsmykker som forskere sier at dekorerte statens armer, hode og ører i antikken, samt den fargede malingen på ansiktet, håret og draperiet.) Det gjenstår spekulasjoner om Venus de Milos opprinnelige positur , selv om bevis tyder på at det en gang holdt et eple i venstre hånd.


Hvordan en av Birminghams mest kjente statuer kunne ha betydd så mye mer - Oh Mac, hva gjorde du? –

Bare omtale av borgerrettighetsbevegelsen vekker sterke følelser hos de fleste sørlendinger, om ikke hos alle amerikanere - i hvert fall de som er født før 1990. Det vi vet er at alvorlige feil ble begått, og førti år senere kjempet nasjonen vår for å oppnå rasemangel forsoning er en byrde for de fleste som bryr seg om den well-being. Our position on racism was made clear in this news analysis. In short, we hold fast to the truth that every human being is equal and that racism is one of humanity’s worst conditions. We’re also greatly saddened that it so stubbornly grips our country. The gravity of this issue is the precise reason we’re publishing the following story. We believe honesty is a fundamental starting point to address social injustice and to learn from history’s wrongs. And when history’s truth is compromised, there’s usually a story worth telling.

The Foot Solider of Birmingham

As history reminds us, racial unity takes time. Reinhold Niebuhr (1892-1971), the man famous for the quote “God, grant me the serenity…” had some profound insights on the subject of racial discord. When writing about it, he said, “Nothing that is worth doing can be achieved in our lifetime therefore, we must be saved by hope.” On this, most agree. Most also believe a critical part of that hope is a fierce commitment to the truth.

Perhaps that’s why Birmingham’s Kelly Ingram Park is such an important place. Much of what it reflects is a truthful chapter of Alabama’s history we must never forget. As author Malcolm Gladwell says,

It is now a shrine to the events of 1963. The first Black mayor of Birmingham, Richard Arringon…decides to fill this little patch of history with sculptures that tell the story of the [civil rights] movement. He commissions one of Martin Luther King, another of Fred Shuttlesworth…and one of the four little girls killed when white supremacists bombed 16th Baptist Church in September of 1963.

The park’s most well-known civil rights monument, however, is the one commonly called “Foot Soldiers.” Its immeasurable importance is why it is so disconcerting to learn that it was embellished to support its creator’s personal narrative, instead of tediously depicting the truth—for its truth is infinitely powerful without exaggeration.

The man who says the statue was embellished is the one who created it, Ronald “Mac” McDowell. Gladwell calls McDowell the “house artist for the civil rights movement” and what he recently revealed to Gladwell is unsettling—not because it’s unthinkable that people exaggerate to make a point, but because of all that was at stake with McDowell’s work. This story was revealed in Malcolm Gladwell’s riveting podcast, The Foot Soldier of Birmingham, Oh Mac What Did You Do.

As Gladwell says, “There’s a nice and tidy story you can tell about that statue, but the real story is much different.”

In short, McDowell was commissioned to create a sculpture to memorialize the famous picture taken by photographer Bill Hudson on May 3, 1963. Hudson’s photo shows a white police officer and his German Shepherd lunging at a black youth on that historic day. Much has been written about the wrongs of that day, including the decisions by Birmingham Police Chief Bull Connor and his riot-control tactics. As Gladwell said of the demonstration organized by Martin Luther King, “They were trying to provoke the Birmingham Chief of Police, a troglodyte named Bull Connor, into doing something so outrageous that it would turn the tide of public opinion in their favor, and that’s exactly what happened.”

The picture Bill Hudson took that day went viral in a print-only world. Gladwell tells its remarkable story:

The next day, the New York Times publishes the photograph above the fold, across three columns on the front page of its weekend paper, as does basically every other major newspaper in the country. President Kennedy is asked about the photo and he’s appalled. The Secretary of State says it will, “Embarrass our friends abroad and make our enemies joyful.” It’s discussed on the floor of Congress. Editorials are written. People have debates about it. It’s exactly what King wants, something to show the rest of the world just how bad things are in the South, and the tide turns.

Clearly, the photograph needed no help. An exact replica would have been a timeless reminder of an epically historic day. Unfortunately, the now-famous statue that supposedly reflects the photograph took a hard turn from the truth.

Its first departure from the turth, however, is that Walter Gadsden, the young man bitten by the dog, said (on Gladwell’s podcast) that he was never part of the civil rights movement. He was a 17-year-old kid cutting school who got caught up in the crowd. In fact, the reason he was bitten is that he stepped behind the police barricade trying to prevent being caught in-between the police line and the demonstrators. He just wanted to go home. After stepping behind the barricade, the 6′-4″ Gadsden was bitten in a split-second lunge by the police K-9, Leo. Leo’s attack surprised his handler, Officer Middleton, as much as it surprised Gadsden. As the photo shows and the podcast confirms, the leash was tight and Leo’s front paws were in the air because Officer Middleton was trying to pull Leo off of Gadsden.

While there’s far more to this story than there’s room to post, the best understanding of why McDowell took it upon himself to embellish history in his Foot Soldiers sculpture is found in his interview with Malcolm Gladwell. The transcript of their conversation follows:

Malcolm Gladwell: Tell me your emotional reactions to that photograph.

Ronald “Mac” McDowell: Well, I saw that the boy was maybe six-four. The officer is maybe five-ten, five nine, and I said, “This is a movement about power,” so I made the little boy younger and smaller, and the officer taller and stronger. The arm of the law is so strong. That’s why his arm is almost like “strength,” and the dog is more like a wolf than a real dog. Because if I’m a little boy, that’s what I would see. I would see this Superman hovering me, putting his big old giant monster of a dog in my groin area, in my private area, and so that’s what I envisioned when I first saw the photograph.

Gladwell: And you changed it. In the photograph, I noticed the boy is leaning in, and in your sculpture, he’s leaning back. Tell me about that.

McDowell: He’s leaning back because I wanted to depict him showing that I’m not going to fight you. I’m not leaving. I’m not moving. I’m standing, but I’m not going to fight you. This is a nonviolent protest. That’s why his hands are open, and he’s going back, like, “Do whatever you’re going to do. Put the dog on me. Beat me with the club, whatever you want to do.” And I saw all of that when I saw the photograph.

Gladwell: Those glasses are like…were the glasses the same…did you make the glasses bigger, too?

McDowell: Mm-hmm (bekreftende).

Gladwell: Yeah?

McDowell: They’re bigger. So he’s almost like a blind officer. He doesn’t even see the kid because he’s so far beyond that. “Kill this n—-. Attack this n—-.” He saw past the reality of this is a human child, a human being. That’s why he was wearing blind-people glasses.

Gladwell: That is so interesting, because when you see the … That’s the thing I couldn’t put my finger on. The officer is behaving as if he’s blind.

McDowell: Mm-hmm (bekreftende).

Gladwell: The dog is attacking. He doesn’t even see the boy.

McDowell: Mm-hmm (bekreftende). You’re the first person I told that to.

Gladwell: That’s so interesting.

McDowell: See how vicious the dog looks?

Gladwell: Oi da. At er a wolf.

McDowell: Mm-hmm (bekreftende). I didn’t know what instruments to use. I did all this with a pencil. Penciled in the hairs, and I drew the teeth like that.

Gladwell: Oh, look at the teeth!

McDowell: I did that on purpose.

Gladwell: They’re curved.

McDowell: Ja. Because if you have a curved tooth, like when you see those werewolf pictures, the teeth are curved, because they’re like a snake when they bite you. If he doesn’t retract, he’s going to rip. It’s not going in and coming out. When he comes out, he’s going to rip flesh.

Gladwell: When you’re face to face with the statue, it has historical authority. It’s in the shadow of 16th Street Baptist Church in Kelly Ingram Park, at the actual site of the Birmingham marches. But it’s a work of imagination. It’s not a literal representation. It’s art. Were there other details? You were saying there’s the blind officer. There are the curved teeth on the dog.

McDowell: The officer moved all of his anger into the dog, and it’s the dog that’s attacking the boy. That’s what you do with racism.

Gladwell: Mac made Leo into a wolf, and blinded Middleton, and shrank Walter Gadsden till he was tiny and helpless because he was telling a story about Birmingham. That’s what history is. Each side writes their own story, and the winner story is the one we call the truth. You don’t think White people told their share of whoppers over the years in the south? You don’t think that there’s a statue in a southern town somewhere of a champion of the Confederacy that makes a hero of someone who was actually a villain? White people got to do that in the south for centuries. Foot Soldier is just what happens when the people on the bottom finally get the power to tell the story their way. It was a long time coming. It’s a brilliant statue.

Ronald McDowell: Thank you. I put my heart into it.

Perhaps even more disconcerting than McDowell’s exaggerations are Gladwell’s justifications. Of course, white people have done the same—exaggerated the truth to revise history. What’s troubling is that Gladwell says “That’s what history is. Each side writes their own story, and the winner story is the one we call the truth.” Nei! That’s not what history is. It is not each side writing their own story. That’s the point of this article. By definition, history is factual. History is true. And history matters greatly, because until we all have the courage to embrace its truth, however displeasing it may be to every race, religion, movement, and country, we will likely never avoid repeating its chapters that we loathe the most.

Larry Huff is the Yellowhammer’s Executive Editor, and you can follow him on Twitter @LHYellowhammer